Examen resuelto de Historia del Mundo Contemporáneo
UNED Septiembre 2024, Acceso mayores de 25.

Respuesta modelo:La pintura del Renacimiento italiano en los siglos XV y XVI se articula en dos grandes momentos: el Quattrocento florentino, de investigación técnica y racional, y el Cinquecento o Renacimiento pleno, de síntesis clásica. En el Quattrocento, Masaccio introduce la perspectiva lineal científica (con un único punto de fuga) en La Trinidad, dotando por primera vez a la pintura de una ilusión de profundidad matemáticamente calculada, mientras que Sandro Botticelli desarrolla un lenguaje más lineal y poético, de raíz neoplatónica, en obras como El nacimiento de Venus, donde el mito clásico se convierte en vehículo de un ideal de belleza espiritual. En el Cinquecento, Leonardo, Rafael y Miguel Ángel llevan a su culminación los logros del Quattrocento: perspectiva, anatomía y composición se dominan ya con tal soltura que permiten centrar el interés en la expresión y el equilibrio compositivo (la pirámide compositiva de las Madonnas de Rafael, el sfumato de Leonardo). Paralelamente, la escuela veneciana, con Giorgione y Tiziano, desarrolla un lenguaje basado en el color y la luz más que en el dibujo, con un naturalismo atmosférico y una sensualidad cromática propias, en diálogo pero también en contraste con el clasicismo florentino y romano. En conjunto, la pintura renacentista italiana pasa de la investigación técnica del espacio (Quattrocento) a la plena madurez expresiva y compositiva (Cinquecento), fijando un canon clásico de representación (perspectiva, proporción, armonía) que será la referencia obligada de todo el arte occidental hasta el siglo XIX.

Respuesta modelo:El arte desde mayo del 68 hasta la actualidad se caracteriza por la ruptura definitiva de los límites tradicionales del objeto artístico y por una crítica constante, a veces explícita, del sistema del arte y del consumo capitalista, en sintonía con el espíritu contestatario de aquel movimiento social. El Pop Art, surgido ya en los años cincuenta y sesenta con Andy Warhol y Roy Lichtenstein, se anticipa a este cuestionamiento al tomar como materia prima las imágenes de la cultura de masas (latas de sopa Campbell, retratos serigrafiados de Marilyn Monroe, viñetas de cómic ampliadas), borrando la frontera entre alta cultura y cultura popular y reflexionando irónicamente sobre la sociedad de consumo. El Minimalismo, con artistas como Donald Judd o Carl Andre, reduce la obra a formas geométricas simples, seriadas e industriales, despojadas de gesto expresivo o simbolismo personal, poniendo el énfasis en la experiencia física del espectador ante el objeto y el espacio que ocupa, más que en cualquier contenido narrativo. El Arte Conceptual, con Joseph Kosuth como referencia (Una y tres sillas), lleva esta desmaterialización al extremo: lo importante ya no es el objeto físico sino la idea o el proceso que lo genera, cuestionando radicalmente qué es y qué no es una obra de arte. Desde entonces, el arte contemporáneo se ha diversificado en múltiples direcciones (instalación, performance, land art, videoarte, arte digital) sin un estilo dominante único, heredando de estos movimientos post-68 la libertad para usar cualquier material o soporte y una actitud crítica y reflexiva hacia el propio estatuto del arte, su mercado y su relación con la sociedad de masas.