Examen resuelto de Historia del Mundo Contemporáneo
UNED Septiembre 2026, Acceso mayores de 25.

Respuesta modelo:El Renacimiento italiano de los siglos XV y XVI alcanza su culminación clásica en un grupo de artistas que, partiendo de un lenguaje común (perspectiva, anatomía, canon clásico), desarrollan personalidades artísticas muy diferenciadas. Leonardo da Vinci aporta el sfumato, una técnica de difuminado progresivo de contornos y colores que elimina la línea dura y crea una atmósfera envolvente (La Gioconda, La Última Cena), además de un estudio científico incansable de la anatomía y la naturaleza que pone el conocimiento al servicio de la representación pictórica. Rafael Sanzio representa la síntesis del ideal clásico renacentista: armonía compositiva, equilibrio geométrico y serenidad en las figuras, visibles en sus Madonnas y en La escuela de Atenas, donde organiza a los grandes filósofos griegos en una perspectiva arquitectónica perfectamente calculada que resume el ideal humanista de conciliación entre razón y fe. Miguel Ángel, por su parte, encarna la terribilità: una fuerza expresiva y un dominio anatómico que convierten el cuerpo humano, tanto en escultura (el David, la Pietà) como en pintura (la bóveda de la Capilla Sixtina), en vehículo de una tensión emocional y espiritual que anuncia ya el manierismo. Tiziano, desde Venecia, aporta la primacía del color sobre el dibujo (colorito frente al disegno florentino), con pinceladas más sueltas y una sensualidad cromática que influirá decisivamente en toda la pintura europea posterior, desde Rubens hasta Velázquez. Los cuatro, cada uno desde su propio lenguaje, definen entre sí el vocabulario visual completo del Renacimiento maduro: dibujo, atmósfera, color y expresión.

Respuesta modelo:El arte desde mayo del 68 hasta la actualidad se caracteriza por la ruptura definitiva de los límites tradicionales del objeto artístico y por una crítica constante, a veces explícita, del sistema del arte y del consumo capitalista, en sintonía con el espíritu contestatario de aquel movimiento social. El Pop Art, surgido ya en los años cincuenta y sesenta con Andy Warhol y Roy Lichtenstein, se anticipa a este cuestionamiento al tomar como materia prima las imágenes de la cultura de masas (latas de sopa Campbell, retratos serigrafiados de Marilyn Monroe, viñetas de cómic ampliadas), borrando la frontera entre alta cultura y cultura popular y reflexionando irónicamente sobre la sociedad de consumo. El Minimalismo, con artistas como Donald Judd o Carl Andre, reduce la obra a formas geométricas simples, seriadas e industriales, despojadas de gesto expresivo o simbolismo personal, poniendo el énfasis en la experiencia física del espectador ante el objeto y el espacio que ocupa, más que en cualquier contenido narrativo. El Arte Conceptual, con Joseph Kosuth como referencia (Una y tres sillas), lleva esta desmaterialización al extremo: lo importante ya no es el objeto físico sino la idea o el proceso que lo genera, cuestionando radicalmente qué es y qué no es una obra de arte. Desde entonces, el arte contemporáneo se ha diversificado en múltiples direcciones (instalación, performance, land art, videoarte, arte digital) sin un estilo dominante único, heredando de estos movimientos post-68 la libertad para usar cualquier material o soporte y una actitud crítica y reflexiva hacia el propio estatuto del arte, su mercado y su relación con la sociedad de masas.